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Foto de portada: Magdalena Viggiani.
Hugh Leslie Gibb nació en Manchester, Lancashire, Reino
Unido, el 15 de enero de 1916, y murió en Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, el
6 de marzo de 1992. Baterista, y director de banda.
Hugh Leslie Gibb (15 de enero de 1916 - 6 de marzo de 1992)
fue un baterista, director de banda inglés y padre de los músicos Barry, Robin,
Maurice y Andy Gibb. Barry, Robin y Maurice formarían los Bee Gees, uno de los
grupos musicales más exitosos de todos los tiempos, mientras que Andy era un
artista solista.
Vida y carrera
Vida temprana y antecedentes familiares
Hugh Leslie Gibb nació en el distrito de Chorlton, en
Manchester, hijo de Edith Yardley y Hugh Gibb. Dijo: "Yo era el bicho raro
de mi familia porque me gustaba la música y la actitud era que nunca te haría
ningún bien. El lema principal en ese entonces era ir a trabajar, tener un
trabajo estable y llevar el sueldo a casa cada fin de semana. Un camino
alternativo a eso no les parecía bien. Ser músico era como en los viejos
tiempos, cuando los consideraban vagabundos, y eso era todo lo que yo quería
hacer".
El padre de Gibb nació en Lanarkshire, Escocia, en 1876. Su
madre nació en Manchester en 1892, hija de Hannah y William Yardley. Hannah era
16 años más joven que su marido y se convirtió en madrastra de los siete hijos
que tuvo de su matrimonio anterior con Annie. Annie murió en 1889 a la edad de
38 años. El abuelo de Gibb, Thomas Yardley, nació en 1826 y está registrado
como trabajador ferroviario.
Barbara Pass
Barbara Pass era vocalista de una banda de baile y en una de
sus noches libres fue con una amiga a otro salón de baile. Más tarde, dijo:
"Ahí es donde empezó todo". Gibb acompañó a Pass a casa esa noche y a
partir de entonces estuvieron involucrados románticamente. A pesar de la
guerra, Gibb tenía buenos recuerdos de conocer a su futura esposa y dijo:
"La gente se divertía más. Los niños de hoy creen que lo han hecho todo
cuando tienen 18 años y no tienen nada que esperar". Se casaron el 27 de
mayo de 1944 en Manchester. Su primera hija, Lesley, nació el 12 de enero de
1945. Poco después se mudaron a Escocia, donde la banda de Gibb tocó en
Edimburgo; como explicó su esposa Barbara: "Vivíamos en las afueras de
Edimburgo". Después de un tiempo, la familia regresó al área de
Manchester, viviendo en Stretford con la madre de Barbara, Nora Pass. Gibb
luego consiguió un trabajo en la Isla de Man y la familia se mudó a su capital,
Douglas. Gibb tocó en los hoteles Douglas Bay y Alexandra de la ciudad.
El 1 de septiembre de 1946, a las 8:45 horas, en la
maternidad Jane Crookall de Douglas, nació Barry, el primer hijo de Gibb. El 22
de diciembre de 1949, también en la maternidad Jane Crookall, nacieron Robin y
Maurice, el segundo y tercer hijo de Gibb, a las 3:15 y 3:50 horas
respectivamente. Gibb y su familia permanecieron en Douglas hasta 1955, cuando
regresaron a la zona de Manchester. Gibb dijo sobre su estancia en Douglas:
"Me quedé allí durante [unos] 10 años y la banda de Joe Loss solía tocar
allí; esa era la era de las grandes bandas". El 5 de marzo de 1958, nació
Andy, el cuarto hijo de Hugh, en el Stretford Memorial Hospital de Manchester.
Carrera
"Lo que papá hizo, sin saberlo, fue tocar mucha música
que fue inspiradora para escribir. Yo diría que los Mills Brothers, en cuanto a
la aportación de mi padre a nosotros, fue probablemente que cuando estés en el
escenario, sonrías. Si te sientes como una mierda y te ves como una mierda, la
gente también se sentirá como una mierda. Papá siempre estaba en la parte de
atrás con una carita sonriente porque eso era lo que hacían los Mills Brothers.
Realmente pensé que papá quería que fuéramos pequeños Mills Brothers
blancos".
—Maurice Gibb
La banda de Gibb, la Orquesta Hughie Gibb, tocaba en los
salones de baile de La Meca, principalmente en el norte de Inglaterra y
Escocia. Rosalia Black, hija del dueño del hotel Carlo Raineri, recordó:
"La banda debe haber sido popular porque el salón de baile siempre estaba
lleno, aunque la Orquesta de Joe Loss estaba en Villa Marina y Ronnie Aldrich ,
con los Squadronaires, estaba en el Palace Ballroom".
Gibb siempre estaba buscando trabajo. A pesar de ser un
músico popular, no ganaba mucho y a menudo formaba grupos para actuaciones
puntuales. Uno de esos bailes podría haber sido la cena de invitación celebrada
en el Hotel Metropole de Londres el 24 de febrero de 1949; la recepción fue a
las 19:00 horas y el título del espectáculo fue "Hughie Gibb y su
música", y entretuvo a la gente hasta la 1:00 horas.
Gibb no tocó en realidad a bordo del ferry y su banda no
recibió ningún pago de la Douglas's Corporation, que gestionaba el ferry.
Aparte del trompetista Charlie Whewell, otros que tocaron en la banda de Hugh
en 1946 fueron Arthur Crawford (acordeón), Jim Caine (piano), Tommy Cowley
(bajo), Albert Metcalfe (saxofón tenor) y John Knight (trombón).
Además de músico, Gibb trabajaba repartiendo pan. Como decía
su vecina, Joan Hill: "En aquella época éramos todos muy pobres y el señor
Gibb era un regalo del cielo. Solía traer
a casa docenas de panes que había que vender antes de que acabara el día (el
pan debía ser mucho más sano en aquella época, no tenía todos los conservantes
que tiene hoy). Hugh podía vendérselos a los vecinos por una fracción del coste
normal". Se cree que la formación musical de Gibb fue la inspiración de
los Bee Gees para seguir una carrera musical, pero su influencia en sus hijos
fue más indirecta.
Gibb atribuyó la idea de emigrar a Australia a la hermana de
su esposa, Peggy, como finalmente hizo con su familia. Más tarde, él y Barbara
solicitaron un pasaje para Australia, pero hicieron poco para prepararse para
la mudanza. Como dijo Gibb, "Porque dicen que no hay que deshacerse de las
cosas hasta saber lo que se está haciendo. A veces hay que esperar dos años;
nosotros lo conseguimos en seis semanas". A principios de agosto de 1958,
la familia se embarcó rumbo a Australia.
Cuando llegaron a Queensland, Gibb encontró trabajo como
"fotógrafo de campo". Sus encargos fotográficos no eran frecuentes,
por lo que aceptó trabajos extra para el Ayuntamiento de Scarborough.
Gibb recuerda que la ruptura del grupo llegó cuando se
inició la televisión en Brisbane alrededor de 1960: "Hicimos una audición
para uno de los programas de variedades, todo vale, así que nos contrataron".
[aclaración necesaria] Cuando la familia se mudó de nuevo al Reino Unido [aclaración
necesaria], el 7 de febrero de 1967, a las 7:40 am, sonó el teléfono. Robert
Stigwood, socio de Brian Epstein, dijo: "Mira, hemos estado haciendo
muchas reorganizaciones en la oficina aquí, y acabamos de encontrarnos con el
acetato que nos enviaste, y lo pusimos. ¿Podrías venir a vernos esta
tarde?" [aclaración necesaria] En noviembre de 1971, Gibb y su esposa
Barbara se habían mudado a Ibiza, España, con su hijo Andy y su nieta, Beri.
Años posteriores y muerte
Tras la muerte de su hijo Andy en 1988, Gibb perdió el
interés por la vida. El 6 de marzo de 1992, murió de una hemorragia interna, a
la edad de 76 años, tras años de "beber mucho". Está enterrado en la
sección Court of Remembrance del Forest Lawn Memorial Park, Los Ángeles, donde
también está enterrado su hijo Andy. La reacción de Barry Gibb ante la muerte
de Gibb fue: "Creo que todo esto estaba destinado a suceder. Echo de menos
a mi padre, por supuesto, pero dejó de vivir cuando Andy murió y estoy seguro
de que ahora es más feliz".
Georges Mayer Dahan, más conocido como Georgie Dann, nació
en París, Francia, el 14 de enero de 1940, y murió en Majadahonda, Madrid,
España, el 3 de noviembre de 2021. Cantautor.
Georgie Dann: su nombre real y dónde nació el hombre que
grabó alguno de los primeros videoclips de RTVE
El cantante se educó musicalmente desde pequeño y cuando
llegó a España arrasó en gran parte gracias a la televisión
REDACCIÓN
VALENCIA
Miércoles, 3 de noviembre 2021, 17:38
«Buenas noches España. Me llamo Georgie Dann, nací en París
y estoy muy feliz de estar aquí esta noche». Con estas palabras se presentó en
1970 en RTVE un cantante joven, bien parecido, dotes para la interpretación y
una amplia sonrisa que encandilaba a su público con canciones de todo tipo. Esa
aparición la realizó en el programa 'Esta noche con', un espacio que le
dedicaron cinco años después de que aterrizara en España. Dann, sin saberlo, se
convirtió en un especialista en fabricar temas virales décadas antes de que
existiera internet.
Georges Mayer Dahan, ese era su nombre real, llegó a nuestro
país en 1964 con una sólida formación musical que le habían llevado a ser unos
de los representantes de Francia en el Festival de la Canción Mediterránea.
Era la sexta edición de un festival que se vio envuelto en
polémica. Ganó la canción Ho capito che ti amo, compuesta por Luigi Tenco e
interpretada por Emilio Pericoli (ganador de Sanremo 1963 y representante de
Italia en la Eurovisión 1963) y Wilma Goich, pero días después se descubrió que
el autor había interpretado el tema en un programa de la RAI un mes antes del
festival, con lo que violaba el reglamento del certamen. Así pues, el primer
premio de 1964 quedó desierto. En esa edición apareció un tal Georgie Dann, que
era un desconocido en España y que compuso el tema Tout ce que tu sais, que
acabó en 6º lugar.
A partir de ese momento Georgie Dann se estableció en España
y se convirtió en una de las caras reconocibles en los primigenios programas de
televisión, muchos de ellos musicales. El francés tenía carisma y mostraba
tablas ante las cámaras.
Había nacido en París un 14 de enero de 1940 en el seno de
una familia de músicos y artistas y había tenido una amplia formación musical:
estudió durante 9 años en el Conservatorio de su ciudad natal y se especializó
en el clarinete, aunque también tocaba el saxofón y el acordeón. Fomó parte de
varios grupos de pop en su país natal hasta su aparicion en España con la
canción «Tout ce que tu sais» y luego empezaron a llover los éxitos.
Su primer gran triunfo fue El casatschok, en 1969 y luego
llegaron las archiconocidas «El Bimbó», «Macumba», «Carnaval, carnaval», «El
africano», «El chiringuito», «La barbacoa», «El Koumbo» o «La paloma blanca».
Pero también fue el autor de algunos de los primeros videoclips musicales que
se emitieron en RTVE.
En 1974 contrajo matrimonio con la española Emy, que llegó a
ser inicialmente bailarina en sus espectáculos, y tuvo con ella tres hijos,
nacidos en Madrid. Dos de sus hijos, Patricia y Paúl, forman el dúo Calle
París.
«No soy un hortera»
Georgie Dann repasó parte de su carrera en una entrevista
con Europa Press con motivo de una de sus últimas actuaciones en España en el
Festival Horteralia, en la que afirmaba que su música no es hortera. «Mi música
no es hortera, en el sentido de si es peyorativo, si eso quiere decir vulgar o
lo que sea», defendía entonces
Dann afirmaba que en los últimos años no había bajado el
volumen de trabajo. «No, hasta ahora a donde voy, hay una concentración enorme,
yo no vivo del pasado, yo tengo una carrera internacional, y sigo visitando
muchos países de América, no me puedo quejar, me siento en activo y fuerte, y
con gente importante«, reivindicaba.
«He hecho muchísimos éxitos y sigo haciendo éxitos»,
proclamó el artista, como es el caso de 'La Cerveza', según comenta, ya que el
tema, de 2013, acumuló 300.000 visitas en Youtube y el videoclip se realizó sin
profesionales y de improvisto. Pese a no tener promoción, Dann asegura que fue
un éxito porque fue acogido por una marca de cerveza.
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con una selección de sus grandes éxitos.
Ellery Guy Rech, más conocido como Juan Ramón, nació en Cañada
de Gómez, Provincia de Santa Fe, Argentina, el 13 de enero de 1940, y murió en Buenos
Aires, Argentina, el 30 de julio de 2020. Cantante y actor.
El sitio Biografías de www.facebook.com
publicó este recordatorio.
Juan Ramón.
Juan Ramón, nacido Ellery Guy Rech, (Cañada de Gómez, 13 de
enero de 1940 - Buenos Aires, Argentina, 30 de julio de 2020) fue un cantante argentino de
extensa trayectoria.
Nació el 13 de enero de 1940 en la localidad santafesina de
Cañada de Gómez, hijo del italiano Juan Rech, oriundo de Mell Beluno, Venecia,
y de la campanense Magdalena Peretto.
Se casó el 6 de abril de 1966 en Campana con Mónica Beatriz
Kobau.
Sus inicios en la música se dieron a comienzos de la década
de 1960 con canciones que ya eran éxitos de Europa y Estados Unidos, dentro los
cuales la versión en español de "Aline", éxito del cantante francés
Christophe.
Sus grandes éxitos golpearon a su puerta cuando se unió al
productor Ben Molar, para realizar sus primeras composiciones. En 1961 se
registra su primer LP para el sello discográfico Disc Jockey, al cual le
sucederían varios más con el acompañamiento de la orquesta de Horacio
Malvicino. El mayor éxito lo obtuvo en los años 1960, interpretando a menudo
"hits" de la canción italiana y francesa para la casa RCA Victor, y
es allí en la cúspide de su resonancia que comienza a usar el sobrenombre Juan
"Corazón" Ramón, por el tono de su música romántica, aunque ha
incursionado también en el tango y la música tropical, a partir de la década de
1980.
En 1970 se presentó en Panamá, donde tuvo tanto éxito que se
afincó allí durante un tiempo, obteniendo gratificantes resultados de su
estadía. Lo mismo sucedió en Colombia.
En el año 1977 y hasta 1983 Juan Ramón se radica en Perú, y
es allí donde conoce a quien es su actual esposa. A mediados de 1983 regresa a
la Argentina, contratado por Mario Kaminsky, productor de Microfón Argentina SA
(MICSA), editando una decena de LP entre 1983 y 1988. Pronto volvería a
cosechar excelentes ventas en su país, con nuevas actuaciones en televisión, y
llenaría el Teatro Astros, de la calle Corrientes, en una serie de shows con
gran suceso de público.
A fines de 1988, se desvincula de Microfón, para pasar a
grabar para otras compañías discográficas, incursionando en la música tropical
y a partir de la década de 1990, sus discos irán del estilo melódico al pop y
del cuarteto a la cumbia, siempre con el apoyo y la aceptación de su público.
A lo largo de su carrera Juan Ramón recorrió diversos ritmos
y melodías, sin olvidar el tango, grabando más de 1.300 canciones, algunas de
las cuales, aún son inéditas en la Argentina.
Del mismo modo recibió numerosos premios y reconocimientos,
y continuó realizando giras por el exterior, especialmente Latinoamérica e
incluso Estados Unidos, donde todos los años realiza el recital del "Día
de San Valentín" en Nueva York. El 2010 lo encontró festejando sus
cincuenta años con la música, y recorriendo Argentina con sus shows,
presentaciones en radios y emisoras de TV.
Falleció el 30 de julio de 2020 a los ochenta años de edad.
"Todavía no puedo creer que sea cierto. Él venía con problemas de salud
desde hacía varios meses. Hace como cuatro o cinco días que estaba internado
con problemas respiratorios, neumonía. Y bueno, el corazón no le resistió. Para
mí era como un hermano", se lamentó Alberto Terreno, su representante y
amigo por más de cuarenta años.
A
continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento, con uno de sus grandes éxitos:
Cariñito.
Shalom – La medicina, desde la Biblia hasta Sefarad
Amparo Alba, profesora en el Depto. de Estudios hebreos y
Arameos de la Universidad Complutense y Catedrática emérita, nos acerca el
concepto de medicina preventiva en los textos talmúdicos y destaca algunas
figuras de médicos sefarditas en la España medieval.
MORTON FELDMAN nació en Nueva York en 1926. Estudió música y
piano con varios profesores a una edad temprana antes de convertirse en un
estudiante de Stefan Wolpe después de graduarse de la escuela secundaria en
1944. Aunque Feldman dominaba la atonalidad, la pareja pasó mucho tiempo juntos
simplemente discutiendo sobre música y Feldman luchó por encontrar una voz
artística al componer música.
El desarrollo artístico de Feldman tomó forma en 1949 cuando
Feldman conoció al compositor John Cage, iniciando una asociación artística de
por vida de crucial importancia para la música americana en los años 50. Cage
fue fundamental para animar a Feldman a tener confianza en sus instintos, lo
que dio lugar a composiciones totalmente intuitivas. Desde entonces, Feldman
nunca trabajó con ningún sistema que alguien haya podido identificar,
trabajando de momento en momento, de un sonido a otro. Durante esta época vital
de su carrera musical, entre sus amigos del decenio de 1950 en Nueva York se
encontraban los compositores Earle Brown y Christian Wolff; los pintores Mark
Rothko, Philip Guston, Franz Kline, Jackson Pollock y Robert Rauschenberg; y el
pianista David Tudor.
Los pintores, en particular, influyeron en Feldman para que
buscara su "mundo sonoro físico", uno más inmediato y directo que el
que había existido antes. Se dice que su uso de la repetición de elementos
individuales crea un vasto campo de colores y texturas brillantes. Rechazó la
notación estándar, lo que resultó en su experimentación con la notación
gráfica; la Proyección 2 fue uno de sus primeros resultados usando este sistema
altamente visual. En estas puntuaciones, los jugadores tienen alguna entrada en
la estructura general, ya que seleccionan sus notas dentro de un registro y
tiempo determinado. Esto condujo a una serie de obras innovadoras, a menudo
consideradas controvertidas en cuanto a su inaccesibilidad para el público en
general. Sin embargo, Feldman no estaba contento con la cantidad de improvisación
y libertad dada al intérprete, así que volvió a formas más precisas de
notación. Fue en esta época que muchos dirían que creó sus piezas más
"visuales", incluyendo Rothko Chapel, Why Patterns?, y For Philip
Guston.
Tras rechazar parcialmente el uso de la notación gráfica y
la música aleatoria, sus obras de finales de los 70 y 80 se alargaron: sus
composiciones se ampliaron tanto que le permitieron centrarse en el paso del
tiempo y en el movimiento de los bloques de sonido a través del espacio
musical. La escala de estas obras le permitió a Feldman tener control sobre la
pieza que escribió. Nueve de las composiciones de un solo movimiento de Feldman
duran más de una hora y media cada una. Su Cuarteto de Cuerdas No. 2, tocado
con poca frecuencia, puede durar hasta seis horas, sin descanso para los
intérpretes.
En 1973, la Universidad de Nueva York en Buffalo le pidió a
Feldman que se convirtiera en el "Profesor Edgard Varèse", puesto que
ocupó durante el resto de su vida. En jun 1987, Morton Feldman se casó con la
compositora Barbara Monk. El 3 de septiembre de 1987, murió en su casa de
Buffalo a la edad de 61 años.
A continuación, lo recordamos en el día de su fallecimiento,
con Coptic Light, para Orquesta, de 1986, en la versión de la Orquesta del Concertgebouw
de Ámsterdam, dirigida por Peter Eötvös.
A continuación, una colaboración del historiador y periodista Carlos Szwarcer
INMIGRACIÓN SENEGALESA EN BUENOS AIRES" (Carlos
Szwarcer)
Fragmento:
"A comienzos del siglo XX llegaron unos 15 mil
inmigrantes africanos provenientes de Cabo Verde. Un siglo después, el censo
nacional de 2010, arrojó que la población afrodescendiente era de unos 150 mil,
un 0,4% del total. A partir de la década del noventa, migrantes procedentes de
Senegal y otros países africanos, como Malí, Nigeria, Ghana, Sierra Leona,
Liberia, Camerún y Guinea, marcaron una nueva etapa en el arribo de población
proveniente de África a nuestro país.
Aquel censo de 2010 registró 2.738 personas nacidas en
África. Siete años después, ese número llegóa 10 mil. Asimismo Argentina es el país de Latinoamérica con mayor
cantidad de inmigrantes senegaleses".
(...)
"En el mes de agosto del 2023, el RENAPER registró
2.267 personas de origen senegalés con Documento Nacional de Identidad (DNI)
argentino y con residencia en Argentina".
(...)
"Se ubicaron fundamentalmente en Buenos Aires, en el
barrio de Once -que desde hace algunos años comenzó a llamarse “la pequeña
Dakar”-, el centro de la ciudad y en el barrio de Flores, donde viven y
trabajan la mayoría de los residentes africanos en Buenos Aires
Además, se observa un fenómeno de migración interna hacia
las provincias. Tucumán, Mendoza, Córdoba, Santa Fe, Santiago del Estero y
Salta que son las más elegidas por esta comunidad".
Artículo completo publicado en "Estampas de Buenos
Aires"
El Mirador Nocturno – Radio / Cecilia Levit presenta:
Tributo a Vladka Meed.
Cecilia Levit produce semanalmente este programa que se
emite por Radio Sefarad.
Vladka Meed: entre dos muros
TRIBUTO: HISTORIAS QUE CONSTRUYEN MEMORIA DE LA SHOÁ, CON
CECILIA LEVIT – Vladka Meed nació el 29 de diciembre de 1921 en Varsovia. Desde
pequeña formó parte de los movimientos juveniles sionistas. En 1940 junto a sus
padres y hermanos fue deportada al gueto de Varsovia. Integró la resistencia
judía clandestina, convirtiéndose en “mujer mensajera”. Usando una identidad
falsa, viajó con permisos falsificados para brindar ayuda financiera y
emocional a judíos escondidos, entregar documentos falsos y además ayudó a
niños a escapar del gueto. Su madre, hermano y hermana fueron asesinados en el
campo de exterminio de Treblinka. Vladka y su futuro marido Benjamín Meet
sobrevivieron a la Shoá y desarrollaron su vida en Nueva York. Vladka falleció
en el 2012 a los 90 años.
Hacé click en el reproductor para escuchar el programa.
York Höller nació en Leverkusen, Alemania, el 11 de enero de
1944. Compositor.
El sitio www.yorkhoeller.de
publicó este artículo, firmado por Monika Lichtenfeld.
Biografía de York Höller
De 1963 a 1970, Höller estudió composición (con Bernd Alois
Zimmermann y Herbert Meilet), piano (con Alfons Kontarsky) y dirección de
orquesta en la Universidad de Música de Colonia, así como musicología y
filosofía en la universidad, y aprobó su examen escolar de música. en 1967.
También debió importantes impulsos a los cursos de vacaciones en Darmstadt,
especialmente a los seminarios de análisis de Pierre Boulez. Después de
trabajar brevemente como repetidor solista en el Teatro Municipal de Bonn, en
1971, por invitación de Karlheinz Stockhausen, tuvo la primera oportunidad de
crear su propia obra en el estudio de electrónica de WDR Colonia. En los años
siguientes rápidamente se hizo conocido internacionalmente a través de
composiciones que presentaban sonidos instrumentales-vocales y electrónicos o
generados por computadora en una síntesis vivaz e imaginativa. Por invitación
de Pierre Boulez, Höller realizó algunos de estos trabajos en el instituto de
investigación IRCAM de París a partir de mediados de los años 1970.
París se convirtió para él en su segundo hogar, en el
"cruce de fronteras" entre Alemania y Francia, que asimilaba cada vez
más elementos de la estética musical francesa, y aquí, en la Gran Ópera, se
representó con gran éxito su ópera EL MAESTRO Y MARGARITA (según Mikhail
Bulgakov). Se estrenó con éxito en 1989. Después de 14 años de docencia como
profesor de análisis y teoría musical en la Universidad de Música de Colonia,
de 1990 a 1999 asumió la dirección artística del recién fundado estudio de
música electrónica WDR. En 1993 fue nombrado profesor de composición en la
Universidad de Música "Hanns Eisler" de Berlín y en 1995 se trasladó
a la Universidad de Música de Colonia, ocupando el mismo puesto que el sucesor
de Hans Werner Henze. Höller ha recibido numerosos encargos de composición
internacionales, becas (Cité des Arts Paris, Villa Massimo Roma) y premios
(Premio Bernd Alois Zimmermann de la ciudad de Colonia, Premio de Promoción del
Estado de Renania del Norte-Westfalia, Premio del Foro Internacional de
Compositores de UNESCO, Premio Rolf Liebermann para Compositores de Ópera) y ha
sido invitado a impartir conferencias y cursos de composición en universidades
y colegios de Europa y América. En 1986, el Ministro de Cultura francés lo
nombró Chevalier dans l'Ordre des Arts et des Lettres de la République
Française. Es miembro de la Academia de las Artes de Berlín desde 1991 y
miembro de la Academia Libre de las Artes de Hamburgo desde 1991. 2006.
Entre los compositores de la generación media europea,
Höller es sin duda uno de los más independientes y idiosincrásicos: un artista
que nunca se ha dejado dominar por escuelas y dogmas estéticos. Desde muy
temprano se ocupó críticamente de la música en serie, de modelos de composición
aleatorios y estocásticos, tomó sugerencias de enfoques filosóficos y
científicos, de la información y de la teoría de la Gestalt y a partir de esto
desarrolló su concepto de "composición Gestalt", que también se
utiliza en la raga india y La técnica árabe del maqam, pero sobre todo la
isorritmia medieval, debe importantes momentos de inspiración. Sirve como base
sintáctica de un lenguaje musical muy personal que busca combinar impulso
subjetivo y control racional, construcción y sensualidad sonora. Su ópera
Bulgakov, pero también sus grandes obras orquestales y conjuntos, crean un
equilibrio sutil entre estructura meticulosamente racionalizada y dicción
altamente expresiva que no rehuye un derroche de colores, gestos dramáticos y
énfasis emocional. “Para mí”, dice Höller, “la búsqueda de la belleza, en el
sentido más amplio de la palabra, no responde a ninguna ideología, sino a un
inmenso desafío (si no queremos conformarnos con los clichés de la neotonalidad
posmoderna). — una utopía en la que trabajar "Requiere un esfuerzo especial
en un momento como el nuestro".
Monika Lichtenfeld, periodista musical
A continuación, celebramos su cumpleaños, con la Sonata para
Piano Nº 4, de 2022, en la versión de Bertrand Chamayou.
A continuación, de
Franz Schubert, la Sinfonía Nº 9 en Do Mayor D. 944, La Grande, en la versión
de la Orquesta Filarmónica de
Dresde, dirigida por Marek Janowski.
Kattassery Joseph Yesudas o Jesudas es un músico clásico
indio y un destacado cantante de playback. Su voz se presta bien tanto a
canciones clásicas indias como a canciones devocionales y populares. Ha grabado
más de 40.000 canciones en muchos idiomas, incluidos tamil, hindi, malabar,
kannada, telugu, bengalí, gujarati, oriya, maratí, punjabi, sánscrito, tulu,
ruso, árabe, latín e inglés a lo largo de su dilatada carrera. Ha cantado en la
mayoría de los idiomas indios, excepto asamés y cachemiro. En su apogeo, era
conocido como el Jim Reeves del sur de la India. Los fans dicen que su voz es
nada menos que "divina".
Vida temprana y antecedentes
K. J. Yesudas nació
en Fort Kochi, Kerala, hijo de Augustine Joseph y Elizabeth. Su padre, que era
un conocido músico clásico malabar y actor de teatro, fue su primer gurú. Más
tarde, se unió a la Academia de Música en Thrippunithura y realizó una
formación. Durante un breve periodo, estuvo con Sri Vechur Hari Hara Subramania
Iyer, tras lo cual recibió formación de Chembai Vaidyanatha Bhagavatar, un
maestro de música clásica. Aunque es un experto en música carnática, también
dominaba la música indostánica.
Carrera
Yesudas comenzó su carrera cantando playback en Kollywood a
principios de los 60; y a mediados de los 70, entró en Bollywood. Ha ganado
siete Premios Nacionales de Cine en la categoría de mejor cantante de la
industria cinematográfica india. En 2006, cantó 16 canciones de películas en
cuatro idiomas del sur de la India el mismo día en AVM Studio, Chennai. Yesudas
ha actuado en muchas ciudades importantes de todo el mundo. En sus conciertos
de música en Oriente Medio, canta canciones árabes en estilo carnático. Con
frecuencia asume el papel de embajador cultural de la India a través de sus
innumerables actuaciones en el extranjero promocionando la música india.
Es el único cantante al que se le ha concedido el título de
Asthana Gayakan (cantante oficial) del estado de Kerala. Ha sido galardonado
con el Padma Sri (1973) y el Padma Bhushan (2002). En 1965, el gobierno de la
Unión Soviética lo invitó a actuar en conciertos de música en varias ciudades
de la URSS y también cantó una canción rusa en Radio Kazajstán. En 1970, fue
nominado para dirigir la Academia Sangeetha Nataka de Kerala y fue la persona
más joven en ocupar ese puesto. En 1971, Yesudas con su grupo musical viajó por
todo Kerala para recaudar fondos para el Fondo de Defensa Nacional del Primer
Ministro de la India durante la Guerra Indo-Pakistán. También se convirtió en
miembro del Senado en el Parlamento Internacional para la Seguridad y la Paz.
Yesudas ha tomado muy en serio las palabras de Sree Narayana Guru, "Una
religión, una casta para todos los humanos". El 14 de noviembre de 1999,
Yesudas recibió un premio honorífico de la UNESCO por "Logros
sobresalientes en música y paz" en el evento "Música para la
paz" en París, un concierto celebrado para marcar el amanecer del nuevo
milenio y entre cuyos asistentes se encontraban artistas como Lionel Richie,
Ray Charles, Montserrat Caballé y Zubin Mehta. Su récord sin precedentes de
ganar premios estatales al mejor cantante en cinco idiomas regionales de la
India y ganar premios nacionales al mejor cantante siete veces en tres idiomas
lo coloca entre los cantantes más versátiles que la India haya visto jamás.
Modelos a seguir
El gran mensaje de Shree Narayana Guru, "Una casta, una
religión y un Dios para todos los humanos", influyó en el joven Yesudas en
su trato con sus semejantes. También tenía sus propios héroes entre los
músicos. Mohammed Rafi, Chembai Vaidyanatha Bhagavatar y Balamurali Krishna son
los que más admiraba.
Beca
Completó el curso Ganabooshanam en la Academia de Música
RLV, Thripunithura, Cochin. Y se graduó de la Academia de Música Sree
Swathithirunal, Trivandrum. Formado por músicos conocidos como KR Kumaraswamy
(ex director de la Escuela de Música de Kochi), Kunjuvelan Aasan (discípulo de
Nagaswera Vidwan Rajaratnam Pillai), Augustine Joseph, Ramakutti Bagavathar,
Sivaraman Nayar, Semmangudi Srinivasa Iyer y Chembai Vaidyanatha Bhagavatar,
Yesudas fue el favorito del público desde el primer día.
Vida personal
Yesudas está casado con Prabha desde hace más de 30 años.
Tienen tres hijos, Vinod, Vijay y Vishal. El segundo hijo, Vijay Yesudas, es un
músico en ciernes. La familia está actualmente establecida en Chennai y Kerala.
También posee propiedades en Fort Lauderdale, Florida, EE. UU., y Flower Mound,
TX, EE. UU., por razones personales y comerciales.
Compañía musical
En 1980, Yesudas estableció el Tharangni Studio en
Trivandrum. En 1992, la oficina y el estudio se trasladaron a Chennai y la
compañía se constituyó en los EE. UU. en 1998. Tharangni Studio y Tharangni
Records se convirtieron en un centro de grabación en Kerala que, por primera
vez, sacó casetes de audio de canciones de películas malayalam en estéreo. La
compañía discográfica también tenía un estudio de mezcla de voces en Chennai,
Studio27. El estudio continúa produciendo y presentando eventos de Yesudas,
tanto para películas como para conciertos de música clásica india en todo el
mundo.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con la canción Kanne
Kalaimaane, de la película Moondraam Pirai.
John Knowles Paine nació en Portland, Estados Unidos, el 9
de enero de 1839, y murió en Cambridge, Estados Unidos, el 25 de abril de 1906.
Compositor, organista y director de coro.
El sitio www.vocalessence.org
publicó este recordatorio firmado por Philip Brunelle.
John Knowles Paine
1839 - 1906
John Knowles Paine fue el primer compositor nacido en
Estados Unidos en alcanzar la fama por la música orquestal a gran escala. En la
década de 1850, Paine tomó lecciones de órgano y composición de Hermann
Kotzschmar, completando su primera composición, un cuarteto de cuerdas, en 1855
a la edad de 16 años. Después de su primer recital de órgano en 1857, fue
nombrado organista de la Haydn Society de Portland y dio una serie de recitales
con el objeto de financiar un viaje a Europa donde esperaba ampliar su formación
musical. A su llegada a Europa, Paine estudió órgano con Carl August Haupt y
orquestación con Wilhelm Friedrich Wieprecht en Berlín. Después de regresar a
los Estados Unidos y establecerse en Boston en 1861, fue nombrado primer
organista y director de coro de la Universidad de Harvard. El bien recibido
estreno de Paine en Berlín de 1867 de Misa en D le dio una reputación que le
ayudó a dar forma a la infraestructura musical de los Estados Unidos. Sus
cursos pioneros en apreciación musical y teoría musical hicieron del plan de
estudios del Departamento de Música de Harvard un modelo para los Departamentos
de Música estadounidenses. Su servicio como director del Conservatorio de
Música de Nueva Inglaterra (y las conferencias que dio allí) establecen su
lugar en la raíz de una cadena de instrucción que conduce (a través de Eugene
Thayer) desde George Chadwick hasta Horatio Parker y Charles Ives. También es
conocido por escribir el primer oratorio de Estados Unidos (San Pedro), el
Himno del Centenario que (con orquesta) inauguró la Exposición del Centenario
de 1876 en Filadelfia, fue uno de los fundadores de American Guild of Organists
y coeditor de "Famous Composers and their Works".
A continuación, lo recordamos en el día de su nacimiento,
con la Sinfonía Nº 1 en Do Menor Op. 23, en la versión de la Orquesta
Filarmónica de Nueva York, dirigida por Zubin Mehta.
Bronislava Fomínichna Nizhínskaya, más conocida como Bronislava
Nijinska, nació en Minsk, entonces Imperio Ruso, el 8 de enero de 1891, y murió
en Pacific Palisades, Estados Unidos, el 21 de febrero de 1972. Bailarina,
coreógrafa, maestra de ballet y directora de compañía.
Bronislava Fominichna Nijinska o Nizhínskaia; Minsk,
1891-Pacific Palisades, 1972.
Bailarina, coreógrafa y pedagoga rusa de origen polaco.
Hermana de V. Nijinski, se formó en la escuela imperial de San Petersburgo y en
1909 ingresó en la compañía de S. Diáguilev.
En 1914, tras su retorno a Rusia, fundó una escuela de danza
y con la revolución marchó a Londres, donde volvió a reunirse con Diáguilev.
Posteriormente trabajó con Ida Rubinstein y otras compañías norteamericanas y
europeas. Gran figura del ballet académico, lo amplió y enriqueció. Es autora
de La escuela del movimiento, teoría de la coreografía (1920).
De 1921 a 1926 fue primera bailarina de los Ballets Rusos,
maestra de baile, y coreógrafa. En 1938 pasó a residir en EE UU y abrió una
escuela en Los Ángeles.
Fue maestra de ballet en el Gran Ballet del marqués de
Cuevas. A partir de 1967 fue coreógrafa y directora del Buffalo Ballet.
Síntesis biográfica
Se formó en la escuela imperial de San Petersburgo y en 1909
ingresó en la compañía de S. Diáguilev. En 1914, tras su retorno a Rusia, fundó
una escuela de danza y con la revolución marchó a Londres, donde volvió a
reunirse con Diáguilev. Posteriormente trabajó con Ida Rubinstein y otras
compañías norteamericanas y europeas. Gran figura del ballet académico, lo
amplió y enriqueció.
Es autora de La escuela del movimiento teoría de la
coreografía (1920). De 1921 a 1926 fue primera bailarina de los Ballets Rusos,
maestra de baile, y coreógrafa. En 1938 pasó a residir en Estados Unidos y
abrió una escuela en Los Ángeles. Fue maestra de ballet en el Gran Ballet del
marqués de Cuevas. A partir de 1967 fue coreógrafa y directora del Buffalo
Ballet.
Vida artística
Se dedica a la coreografía y hace esporádicas presentaciones
en la compañía de Serguei Diaghilev, a la que regresa de nuevo después de
abandonar Rusia y Polonia. Durante este período arregla La bella durmiente
(1921) y L’Après-Midi d’un faune (La siesta de un fauno, 1922).
Su primera coreografía completa es Renard, sobre música de
Igor Stravinski (1922), aunque el músico cambia la coreografía en 1928 con un
trabajo de Serge Lifar, que tiene tendencias menos académicas que ella. . En
1936 ocupa el cargo de directora de baile de Ópera Rusa de París. Un año más
tarde dirige el Ballet Polaco. Con el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial
viaja a Estados Unidos como coreógrafa del Ballet Theatre y del International
Ballet. En el año 1955 es maestra de baile en el Teatro Colón de Buenos Aires y
en 1957 del Ballet del Marqués de Cuevas.
Coreografías
En 1923 arregla Le mariage d’Aurore (Las bodas de Aurora),
sobre música de Stravinski. Un año más tarde monta El tren azul, con argumento
de Jean Cocteau y música de Darius Milhaud; Las tentaciones de la pastora; Les
Biches, con música de Francis Poulenc y decorados de Marie Laurencin; Romeo y
Julieta, con música de Constant Lambert y decorados de los pintores Max Ernst y
Joan Miró. Para la Ópera de París prepara Les rencontres (1925), Impresiones de
musichall (1927); La Valse (1929), sobre un tema de Maurice Ravel; para Ida
Rubinstein arregla La bienaimée, El beso del hada, La princesa cisne y Bolero
de Maurice Ravel.
A continuación, la recordamos en el día de su nacimiento,
con el Ballet Les Biches, con música de Francis Poulenc, estrenado por los
Ballets Russes en 1924. Seguidamente la producción del Festival de Ballet Ruso
Roma, de 2009, con la actuación de Vito Mazzeo, Bailarín principal del Ballet
Nacional de los Países Bajos; Alessandra Amato, Primera Bailarina Ballet de la
Ópera de Roma; con Alessia Barberini, Claudio Cocino, Francesco Sorrentino,
Sara Loro, Susanna Salvi y el Ballet de la Ópera de Roma dirigido por Carla
Fracci.
María Cristina Lancellotti Spano, más conocida como Valeria
Lynch, nació en Buenos Aires, Argentina, el 7 de enero de 1952. Cantante,
compositora, actriz y empresaria.
Valeria Lynch nació el 7 de enero de 1952 en el barrio de
Villa Urquiza, Ciudad de Buenos Aires, República Argentina. Es la segunda hija
del matrimonio compuesto por María Antonia Spano "Tony" y de José
Julio Lancelotti.
Demostró desde muy pequeña su afición por el canto y el
baile; a los 14 años estudiando en el Colegio Comercial Donato Alvarez del
barrio de La Paternal, definió su vocación y empezó a estudiar canto con Clara
Calvo, Foniatría con el maestro Norberto Massa y arte dramático con Dante
Gilardoni, tras casi dos años de facultad abandona su carrera universitaria y
se dedica netamente al mundo de la canción.
Debutó oficialmente en La Botica del ángel de Eduardo
Bergara Leumann en 1969 a los 21 años, interpretando el tema "Cuando un
amigo se va". San Telmo.
El primer tema oficial interpretado por Valeria fue
"Perfidia", tango del repertorio de Azucena Maizani.
Su Debut oficial en público como cantante baladista pop fue
en el mítico escenario de "MICHELANGELO".
Grabó su primer L.P. en el año 1976 se llamó "Valeria
Lynch" y la portada del disco era un dibujo de su perfil hecho por su
amigo Horacio Fontova. Lleva 27 álbumes editados a la fecha.
En 1978 se unió con su representante, Héctor Cavallero
(ex-compañero de Susana Giménez). Fue justamente Héctor Cavallero quien la
descubriera allá por 1976 en los clubes underground de la ciudad de Buenos
Aires, cuando Valeria era la voz cantante del grupo de rock "THE
EXPRESSION". La anécdota cuenta que Cavallero la vio cantar y quedo
fascinado y ni bien termino el show, la espero en los camerinos y directamente
le ofreció la posibilidad de representarla y lanzar su carrera como cantante
romántica. La pareja tuvo dos hijos Federico Cavallero y Santiago Cavallero,
pero luego de veinte años de convivencia terminó en divorcio.
Sus primeros pasos se dieron cantando jingles publicitarios
y todo el rock underground de la década del 60, luego con el grupo "THE
EXPRESSION", comenzó a cantar en inglés, formó parte también del grupo
"TRIBU SRL", con el que grabó un simple que incluía el tema "I
AM WOMAN" (SOY UNA MUJER), su primera grabación allá por el año 1975.
Hasta que ingresa al género de la balada pop de la mano de Héctor Cavallero y
así llega a convertirse en una auténtica "DIVA" de la canción
popular.
La primera gran intervención de Valeria Lynch se dio de la
mano del productor Alejandro Romay en la adaptación argentina del musical Hair,
realizada en el Teatro Argentino en 1971 donde demostró sus dotes poniéndole
voz a la canción Acuario. Fue Don Alejandro Romay quien la descubre como gran
talento y quien le sugiere usar un seudónimo artístico, así nace el
"VALERIA LYNCH", Valeria, surge del nombre de un personaje que
interpretaba la Actriz argentina Dora Baret, en la telenovela "LOS
HERMANOS", que Valeria veía con su madre cuando era pequeña, y el Lynch,
lo eligió al azar de la guía telefónica, el por entonces productor de Canal 9
Jorge Torres. Otra gran anécdota de Don Alejandro Romay, es que fue el quien le
sugiere a Valeria operarse la nariz, es así que a los 22 años y a pedido de
Romay, Valeria se hace su primera cirugía, que luego retocaría en 1984 con el
Dr. Juan Carlos Elias. Durante los años 80 el éxito de Lynch se expandió por
toda América Latina llegando a ser muy conocida en Colombia, República
Dominicana, México, Estados Unidos, Ecuador, Honduras, Panamá, Chile, Uruguay,
Paraguay, Perú, Puerto Rico y Venezuela. En 1981 protagoniza en México la ópera
Rock “Evita” dirigida por Harold Prince. Valeria estaba en México promocionando
su L.P. Quiéreme, cuando se enteran que había un casting para protagonizar
Evita, Cavallero le insistió para que se presentara, y así fue que Valeria dio
la prueba y Harold Prince, quedo muy conforme con su nivel interpretativo y la
eligió inmediatamente. El problema vino luego porque los productores mexicanos
ya tenían la protagonista del musical la mexicana Rocío Banquels, pero Harold
fue contundente, "la quiero a Valeria en mi musical". Fue entonces
que se decidió hacer un doble protagónico, Rocío Banquels y Valeria Lynch
juntas en Evita. Interpretar el papel de Eva Perón le abrió las puertas a nivel
internacional. En reiteradas declaraciones a la prensa Harold Prince expresó:
"Valeria Lynch, fue la mejor Evita, que me tocó dirigir".
En 1983 obtiene una nominación al premio Grammy por su disco
"Quiéreme", el sencillo "Mentira" la populariza. En 1984 es
una de las pocas cantantes hispanas que tiene éxito en dos compañías
discográficas, a principio de ese año edita para la Polygram "Un poco más
de mi", la canción "Amiga Mía" encabeza las listas de
preferencia, a mediados del mismo año firma contrato con la RCA y el disco
"Cada día más", con los sencillos "Que ganas de no verte nunca
más, Ella La Loca y Me das Cada día más" la consolidan en el gusto
popular. Su música también llegó a España, Estados Unidos e incluso a Japón,
donde en 1985 participó en el Festival Internacional de la Canción Popular en
el auditorio BudoKan cantando ante más de 15000 personas, ganando el premio a
la Mejor Intérprete del Festival y el Gran Premio del jurado, con el éxito del
momento, Rompecabezas, canción que llegó al tope de la lista de preferencias en
varios países y le permitió desbancar en la competencia a la misma Latoya
Jackson, hermana de Michael Jackson. El presidente del jurado japonés Genichi
Kawakami expreso que eligió a Valeria Lynch, por su técnica interpretativa, su
desplazamiento sobre el escenario y su dominio del micrófono, y añadió que el
veredicto del jurado coincidió con el voto del público asistente, consiguiendo
Valeria el 91% de los votos.
Su canción “Me das cada día más”, fue parte de la banda
sonora oficial de la película “Héroes” de Copa Mundial de Fútbol de 1986,
celebrada en México. Durante 1985 y 1986 edita "Para Cantarle a la
vida" y "Sin Fronteras" sencillos como "Querido mío, Como
una Loba, Señor Amante, Que mal elegiste, Ámame en cámara lenta, Fuera de mi
vida y Muñeca Rota" logran reconocimientos de multiplatino en distintos
países; la canción "Y tu no estas (Amado Mío)" es versionada por la
mítica cantante cubana "La Lupe" dándole a la canción un giro
religioso y es adoptada por las comunidades evangélicas protestantes de Hispanoamérica
siendo interpretada en sus templos hasta el día de hoy. En 1987 se lanza al
mercado "Valeria canta el tango", convirtiéndose en el disco de tango
más vendido de la historia fonográfica argentina según Capif hasta 2009 (A
nivel global el record lo tiene Julio Iglesias con su disco Tango) y filma
junto a Raúl Julia la película "Tango Bar", con la misma viaja a
diferentes festivales de cine del mundo. En 1988 el disco "A cualquier
precio" rompe con todos los pronósticos al arrasar con las ventas. Ese
mismo año se presenta en el mítico Carneree Hall de New York con localidades
agotadas durante dos noches. El New York Times la elige como " Una de las
cinco mejores voces del mundo". La canción "Piensa en mí"
permanece más de tres meses en los top radiales. En 1989 compuso y grabó
"La extraña dama" para la telenovela homónima del Canal 9 de la
Argentina. Otra vez el éxito en ventas con el disco "Energía".
Con el comienzo de la década de los 90, Lynch empezó una
vida más privada; de todos modos, continúa realizando giras por Argentina,
Chile, Uruguay, Paraguay, Puerto Rico y Estados Unidos. También participó en
varias comedias y programas televisivos, además de haber continuado editando
discos.
En 1990 participa en el Festival de San Remo, en Italia,
donde la crítica especializada compara su estilo interpretativo con el de Mina
Mazzini. Graba en Roma el disco "Háblame de Amor" y realiza 16
funciones consecutivas en el teatro Opera de Buenos Aires, superando el record
que ostentaba en presentaciones en esa sala el español Julio Iglesias. En 1992
realizó una nueva versión de Están tocando nuestra canción junto a su compañero
y amigo Víctor Laplace y lanza al mercado discográfico "Sin Red" un
disco que cuenta con la particularidad que fue grabado con los músicos que por
esos años acompañaban a la cantante estadounidense Mariah Carey. En 1994 edita
"Caravana de Sueños", disco producido por Michael Sembello, otrora
productor de Stevie Wonder, The Temptations, Michael Jackson, Diana Ross, Chaka
Khan, George Benson y Donna Summer, y debuta en el canal 13 de Argentina con el
programa "Soñando con Valeria". Ese mismo año es reconocida en Perú
con el premio "Paloma de la Paz". En el año 1995 llegó el turno de
interpretar a Aurora, el personaje central de El beso de la mujer araña,
nuevamente bajo la dirección de Harold Prince, quien fue determinante, cuando
los productores argentinos lo convocan para que el dirija la puesta de El
Beso...en Buenos Aires, y le consultaron sobre quien podría ser la
protagonista, Harold dijo..."Quiero a Valeria Lynch". Por lo que
Valeria no tuvo que realizar casting, no obstante cuando empezaron con los
ensayos del musical, Valeria le aclaro a Rob Ashfford coreógrafo de la puesta,
que ella no era bailarina como Chita Rivera, a lo que Ashfford contesto...
"Ok, lo que deba adaptar a tus posibilidades lo haré". Luego de meses
de ensayos y a minutos de estrenar el musical, Valeria le pregunto al corógrafo
que había cambiado de la coreografía original, a lo que él
contesto..."NADA". Estrenado el Musical en Buenos Aires, Harold
Prince, dijo "Valeria es tan impresionante como artista, que brilla tanto
como la reina del musical de Broadway Chita Rivera, quien insistida por los
brillantes elogios de Prince hacia Valeria, visitó Buenos Aires para ver
especialmente a Valeria Lynch en escena, a partir de allí nació un fuerte lazo
de amistad entre La gran Chita Rivera y Valeria Lynch, amistad que se mantiene
con los años a punto tal de que Chita fuera especialmente invitada a participar
de los Congresos de Comedia Musical y Operas Rock que anualmente organiza el
Instituto Musical artístico Valeria Lynch.
Su labor fue reconocida por los críticos y el público,
"ganándose" a cierto sector de la intelectualidad que no veía con
buenos ojos tanto éxito en una figura popular.
Teleclic, editorial Perfil, 2000
En 1997 realiza para la cadena de televisión HBO un especial
musical grabado en el teatro Opera de Buenos Aires, llamado "Los
Románticos, la última cita" junto a Armando Manzanero, Soledad Bravo y
Nana Caymi.
Ya en el año 1999 protagonizó junto a Patricia Sosa el
musical Las hijas de Caruso en el teatro Liceo, incursionando también en la
música clásica. Durante julio del año siguiente protagonizó una temporada del
espectáculo infantil Lucía, la maga en el Teatro El Nacional.
Ese año también edita su primera producción independiente
para la Editorial Atlántida de Buenos Aires, el disco "Algo Natural"
logra el reconocimiento de platino por sus ventas en puestos de diarios y
revistas, el mismo seria distribuido en el exterior por sellos discográficos
regionales. La canción "Quisiera ser tu luz", versión castellano de
la canción Living From Day To Day / Ani Chaya Li Mi'yom Le'yom de la cantante
israelí Rita Kleinstein, se convierte en un éxito radial, y la version en
castellano comienza a sonar en las radios de Jerusalem gracias a la difusion
lograda por Youtube.
Una carrera sin sobresaltos
A 2006 interpreta en el teatro El Nacional de la Avenida
Corrientes de la Ciudad de Buenos Aires el musical Víctor Victoria y participa
del jurado del reality show televisivo Cantando por un sueño. Actualmente
desarrolla también su carrera de docente, con una cadena de escuelas de comedia
musical ubicadas en varias ciudades de la Argentina.
Durante la primera mitad del año 2007 se la encuentra
realizando una exitosa gira nacional llamada Valeria Lynch, ÚNICA logrando
colgar el cartel de localidades agotadas y concluyendo un año y medio de éxito
junto a la comedia musical "Victor Victoria" cuyo término de
temporada lo realizó en el Teatro Teletón de Santiago de Chile. En noviembre de
2007 presentó un nuevo show "Como Nunca" en el teatro Gran Rex de
Buenos Aires. Durante la primera parte de 2008 presento con singular suceso el
espectáculo "Bien Argentino", convocando a más de 60 mil
espectadores, donde compartió escenario junto a Raúl Lavié y Laura Fidalgo. Una
obra maestra del tango, donde Valeria recreo a las grandes voces femeninas del
género de todos los tiempos.
Valeria Lynch lleva vendidos según la Cámara Argentina de
Productores de Fonogramas y Videogramas (Capif) más de 15 millones de discos
alrededor del mundo, entre producciones originales, participaciones y
reediciones convirtiéndose en un referente de la balada en español. Canciones
como "Amiga mía, Que ganas de no verte nunca más, Mentira o Como una loba"
se han convertido en verdaderos credos musicales en toda Latinoamérica y fueron
recreados por artistas de la talla de Pimpinela, Yuri, Yuridia Gaxiola, La
India, Jeannette, La Lupe, Lupita Dalessio, Pandora, Sheila, Kika Edgar y
Hernaldo Zúñiga entre otros. Así mismo su imagen no solo se asocia con la lucha
por la igualdad femenina, sino que es un icono gay en todo el continente.
Además ha compartido escenarios con Ray Charles, Rod Stewart, Tina Turner,
Enrique Iglesias, Amanda Miguel, Sandro, Patricia Sosa, Lissette Álvarez,
Gloria Estefan, Julio Iglesias, Ornella Vanoni, Los Nocheros, Roberto Carlos,
Placido Domingo, Vicente Fernandez, Emmanuel, Ana Belén, Celia Cruz, Tony
Benett, Simone, Raphael, Alberto Cortez y ha grabado duetos con Barry Manilow,
Jeffrey Osborne, José José, Wilkins, Marco Antonio Muñiz, Lucecita Benitez,
Mercedes Sosa, Maria Graña, Jorge Serrano (Los Autenticos Decadentes) y
Pimpinela.
Filmografía
Televisión
Lynch condujo los ciclos siguientes, además de haber
participado como invitada en otros programas:
§ Movete (2002) Magazine
§ Salvajes (1999) Telenovela
§ Más Te Vale (1998) Show musical
§ Vale
Valeria (1997) Show musical
§ Soñando
Con Valeria (1994) Show musical
§ Tribu
(1975) Show musical
· Participaciones especiales en TV:
§ Cantando por un sueño como jurado (2006-2007)
§ Por Amor A Vos (2008) Actriz.
§ El Musical de tus Sueños (2009) como jurado
Cine
Tango Bar (1987)
Dirección: Marcos Zurinaga. Guión: José Pablo Feinmann, Juan Carlos Codazzi y
Marcos Zurinaga.
La Civilización está haciendo masa y no deja oír (1974)
Dirección: Julio Cesar Ludueña. Guión: Julio Cesar Ludueña.
Comerciales
§ Banco Galicia (2009,
tarjetas de crédito y débito)
§ Querubín (2004,
productos de limpieza)
§ Coca-Cola (2001)
§ Vinos Termidor (1978)
Adicionalmente, Lynch participó en varios avisos gráficos,
como la promoción de la línea de anteojos Valeria Lynch (1987), la marca de
cosméticos Rue de Passy (1988) y comerciales de Monique Arnold (2004). Además
del comercial televisivo de Querubín, también grabó un comercial radial y otro
impreso para la marca.
Curiosidades
§ En sus comienzos
Valeria le hacia los coros a diferentes cantantes que se presentaban o grababan
en la Argentina, tal es el caso de Lissette Alvarez, Tormenta y Diego
Verdaguer.
§ En el año 1981
Valeria es invitada al programa "Aplauso" de la television chilena,
la misma noche que el músico trasandino Buddy Richard interpreta por primera
vez, dentro de un concurso, un tema de su autoria llamado "Mentira".
Fue ahí, en directo, donde Valeria, cantante invitada al estelar, escuchó por
primera vez esa canción, e inmediatamente después de que el chileno ganó el
concurso, hizo una versión de "Mentira" que le redituó dividendos
instantáneos en Argentina y otros países latinoamericanos. Posterior a la
versión de Valeria, el nicaragüense Hernando Zuñiga y la italiana Iva Zanicchi
decidieron realizar un cover de la misma.
§ En 1986 existió un
proyecto cinematográfico para reunir en una misma pelicula a Roberto
Carlos,Valeria Lynch y Ursula Andress.
§ Fue por 1986/87 que
los periódicos Argentinos se hicieron eco de un rumor que convirtieron en
noticia: Valeria Lynch interpretaría “I Know Him So Well” del musical “Chess”
de Björn y Benny, en una versión nueva junto a Elaine Paige! No dejó de ser un
rumor. Con los años, recién en septiembre de 2008 nos enteramos de la verdad
gracias a un fanático de ABBA, quien le preguntó a Valeria sobre ese mítico
rumor. Ella recuerda que también fue sorprendida porque no le había llegado
ninguna noticia sobre esa grabación y se enteró por los medios. Como el rumor
era fuerte, y sin haber arreglo alguno del sello grabador, la cantante dispuso
grabar esa canción, “por las dudas”, pero todo quedó encajonado y finalmente
nunca salió a la luz esa versión.
§ En 1988, bajo la
dirección del productor Horacio Lanzi, en ocasión de la grabación del disco
"A cualquier precio", Valeria grabo el tema "Genio y
figura" del español Rafael Pérez Botija, quien dirigió de modo personal la
grabación de esa canción, finalmente este tema no fue incluido en el L.P.
mencionado. En 1993, la mexicana Rocío Banquells escucho la versión de Valeria
y decidió grabar el tema y lanzarlo al mercado en su disco homónimo, Genio y
figura de Rocío Banquells fue un suceso de ventas en Centroamérica. Tiempo
después la RCA decidió editar el tema en la voz de Valeria en distintos
compilados que tuvieron edición regional.
§ En 1989 la mítica
cantante La Lupe, icono del bolero y la salsa, fue una ferviente admiradora de
Valeria, de este modo decidió incluir en sus últimos discos los temas "te
amo" e "Y tu no estas, amado mió" en versión gospel.
Premios y Reconocimientos
*1983 Nominación al premio Grammy por el disco
"Quiéreme" en el rubro "álbum latino del año" (primera vez
que el premio se hacía extensivo a Latinoamérica), Estados Unidos.
§ 1983 Reconocimiento
Multiplatino para el disco "Quiéreme".
§ 1983 Trofeo
"Abeja Reina", México.
§ 1984 Reconocimiento
de Oro para los discos "En Vivo" y "Capricornio"
(re-edición).
§ 1984 Reconocimiento
de Platino para disco "Un poco más de mí".
§ 1984 Reconocimiento
Multiplatino disco "Cada día Más".
§ 1985 Reconocimiento
Multiplatino disco "Para Cantarle a la vida".
*1985 Reconocimiento por record de asistencia al Show
"Para cantarle a la vida", teatro Astros, 53 funciones.
*1985 Grand Prix Festival Yamaha de la Canción, Mejor intérprete
y Mejor Canción: Rompecabezas; Tokio, Japón.
§ 1986 Reconocimiento
Multiplatino disco "Sin Fronteras".
§ 1987 Reconocimiento
doble platino para el disco "Valeria canta el tango".
§ 14/2/1987 Canción
"Fuera de mi vida" alcanza la posición 17 en el top Billboard/USA
simples + vendidos.
*19/8/1987 Canción "Muñeca rota" alcanza la
posición 21 en el top Billboard/USA simples + vendidos.
§ 1987 Nominación ACE
New York figura femenina del año.
*1988 ACE NEW YORK, mejor show Carneggie Hall "A
cualquier Precio Tour". *23/4/1988 Canción "Ámame en cámara
lenta" alcanza la posición 28 en el top Billboard/USA simples + vendidos.
§ 1/10/1988 Canción
"Si tanto te amé" alcanza la posición 33 en el top Billboard/USA
simples + vendidos.
§ 1988 Reconocimiento
Multiplatino disco "A cualquier Precio".
*1988 Latin Award "Voz de Voces" (Grammy Latino).
§ 1988 Martín Fierro
Mejor Show Musical "A cualquier Precio" Canal 9.
§ 1989 Martín Fierro
Mejor Show Musical "Energía" Canal 13.
§ 1990 Reconocimiento
Triple Platino disco "Energía" y doble platino "Mis Mejores
Canciones".
*10/2/1990 Canción "Hay un mañana" alcanza la
posición 38 top Billboard/ USA sencillos + vendidos.
§ 1990 Premio Aplauso
92 "Cantante femenina del año", Miami, Estados Unidos.
§ 1991 Plaqueta Aptra
reconocimiento compartido con Soda Stereo al Show Buenos Aires vivo, Canal 13.
§ 1991 Diploma al mérito
Martín Fierro "Mejor labor en musical Háblame de amor" y diploma
Konex "Mejor actriz de musical de la década".
*1991 tema "Mañana al despertar", disco
"Háblame de Amor" número 1 del top ten latino del listado Billboard
simples más vendidos, Estados Unidos.
§ 1991 Reconocimiento
doble platino disco "Háblame de Amor".
§ 1991 Nominación
Premio Martín Fierro "Mejor Labor en Show Musical" Háblame de Amor,
Canal 13.
§ 1992 Martín Fierro
Mejor Show Musical "Sin Red" Canal 13.
§ 1994 Llave de la
Ciudad de San Juan de Puerto Rico.
§ 1994 Paloma de la
Paz, Perú.
§ 1994 Disco de
platino por "Caravana de Sueños".
§ 1994 Nominación al
Martín Fierro Mejor labor en Show Musical y Programa de Música, Valeria Lynch y
Soñando con Valeria, Canal13.
§ 1995 Konex cantante
pop de la década.
§ 1995 Premio Ace
mejor cantante melódica.
§ 1995 Premio Ace
mejor actriz de musical por "El beso de la mujer araña".
§ 1996 Disco de
Platino por "De regreso al amor".
§ 1998 Llave de oro de
la ciudad de Miami, Estados Unidos.
§ 2000 Reconocimiento
Platino por disco "Algo Natural" (Editorial Atlántida).
*2002 Gaviota de Oro, festival de Viña del Mar, Chile.
§ 2003 Premio Paoli, a
la trayectoria, Puerto Rico.
§ 2003 Reconocimiento
de Oro cd "Trayectoria", Universal discos.
§ 2004 Reconocimiento
de Oro para Cd "Vivo por Valeria", Raysa Record.
*2005 Premio Península, Italia.
§ 2006 Nominación
Premio ACE por Actriz de Musical Víctor Victoria.
§ 2009 Disco de Oro CD
"Oro", Sony Bmg.
§ 2009 Premio Martín
Fierro Mejor cortina musical teleserie "por amor a vos", canal 13,
dueto con Cacho Castaña.
También ha logrado certificaciones de Oro, Platino y
Multiplatino en México, Colombia, Venezuela, Puerto Rico, Panamá, Uruguay,
Chile y Estados Unidos con ventas que varían entre las 30 mil y 500 mil
unidades dependiendo el país y el tipo de certificación.
Valeria Lynch ha brindado más de 5000 recitales y se ha
presentado en algunas de las salas más importantes del mundo como el Carneggie
Hall de New York, y el James Knight de Miami, el Desert Inn de Las Vegas, en
Estados Unidos; el Teatro Metropolitan de México; el Nippon Budokan de Tokio,
Japón; el Centro Bellas Artes de Puerto Rico; Teatro Ariston de San Remo,
Italia y en el Teatro Opera, Gran Rex, Angel Bustello, Luna Park, Odeon, Liceo,
Lola Membrives, Preidente Alvear, Broadway, El Nacional y Orfeo Superdomo de
Argentina.
A continuación, celebramos su cumpleaños, con uno de sus
grandes éxitos: Como una loba.
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