Peter Gabriel abandonó Genesis en 1975 y tras un pequeño descanso comenzó su carrera en solitario con la que obtuvo sus mayores éxitos con sus primeros discos. Hoy toca recordarlo en uno de sus primeros conciertos en esa etapa.
El 25 de febrero de 1977 Gabriel lanza su primer disco en solitario, "Peter Gabriel I". La grabación estaba producida por Bob Ezrin ( Lou Reed , Alice Cooper , Kiss , Pink Floyd , Deep Purple y Phish entre otros). En las sesiones de grabación participaron Robert Fripp (guitarra), Tony Levin(bajo)), Allan Schwartzberg (batería), Jimmy Maelen (percusión), Steve Hunter (guitarra), Jozef Chirowski (teclados) y Larry Fast (teclados). El single "Solsbury Hill" obtuvo un notable éxito. Comenzó una gira de presentación por Estados Unidos de marzo a abril del 77 y posteriormente en Reino Unido con variaciones en la banda.
La grabación corresponde a la actuación de Peter Gabriel en el Music Hall de Cleveland el 15 de marzo de 1977. La banda esta formada por ilustres músicos como Robert Fripp que actuaba bajo el nombre de Dusty Rhodes y que incluso lo hacía fuera del escenario. También podemos encontrar a Steve Hunter y Tony Levin. En cuanto al "setlist" tenemos su primer disco al completo. Como adelanto a su segundo disco tenemos: "On The Air" y "A Song Without Words (Indigo)". También interpreta dos versiones: "Ain't That Peculiar" de Marvin Gave y "All Day and All of the Night" de The Kinks". En el "bis" podemos escuchar "Back in N.Y.C." de su etapa en Genesis. Peter Gabriel en estado puro. Sonido perfecto.
J.C.Miñana
Temas
disc 1
01. Here Comes The Flood
02. On The Air
03. Moribund The Burgermeister
04. Waiting For The Big One
05. A Song Without Words
06. Excuse Me
07. Solsbury Hill
08. Ain't That Peculiar
09. Why Don't We
disc 2
01. Humdrum
02. Slowburn
03. All Day And All Of The Night
04. Here Comes The Flood
05. Modern Love
06. Down The Dolce Vita
07. Back In N.Y.C.
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Ya han pasado unos años desde que el nombre de White Coven se ha ido haciendo más y más popular en los círculos rockeros de la inmortal Zaragoza. Ganadores o semifinalistas, en cuánta "batalla de bandas" han participado, su reputación ha ido creciendo a base de conciertos memorables. Desde el trabajo, fe y pasión que transmiten en ellos mismos. Su inclusión como banda de apertura de Blues Pills fue tremendamente acertada, y además creo que les dio más confianza en lo que estaban haciendo, que iban por buen camino. En 2015 editaron un cd - EP de cuatro canciones, (tres en realidad, más un "intermezzo" de 40 segundos), que ahora han sido recuperadas para el esperado y definitivo debut discográfico de la banda. Muy bien resuelto en su producción por Rubén Martín y Diego Vicen.
Sorprenden muchas cosas en White Coven. Su multi - formación, - y lo difícil que es mantenerla -, entre otras cosas. Tres guitarras solistas en las manos de Mario Gutiérrez, Juan Cervera y R. David Bueicheku. Carlos Viejo al bajo y Daniel Penon a la batería, son la consistencia rítmica imprescindible. Josete Meléndez en los teclados y órgano añade más munición melódica al combo. Y luego tenemos la emocional voz solista de Sara Lapiedra, de matices muy soul al viejo estilo, que imprime un sonido lleno de detalles y sentimiento al completo estilo de White Coven. Además han contado con invitados en una sección de viento, coros o percusiones , que no se privan de nada y bien que hacen. El estilo de la banda está firmemente asentado en los 70, lo que me parece genial, y buen gusto que tienen. Además, han ido agregando texturas de aquí y allá que conforman a una Jam band con detalles psych, prog, hard, soul, blues o southern que los definen por su perfecto ensamblaje en la composición.
El cd, que pronto estará disponible en vinilo, se abre con la recuperada "Woman' (4'25) que cerraba el EP. De inicio puramente psicodélico en su intro, pronto muta en un vendaval de energía comandada por la robusta voz de Sara Lapiedra. No puedo evitar recordar a grandes nombres del gremio como CK Strong, Mama Lion, Stone the Crows, Joy of Cooking, Zephyr o Babe Ruth como guías hacia ésta portentosa canción de guitarras entrecruzadas.
"Brief Old Tale" (4'30) abría el anterior EP, en una versión actual más perfeccionada y segura. Un tema rico en hard - blues - soul - carne con patatas, que aquí no hay nada light. Se agradece.
Por fín escuchamos nuevo material con "Moonroom" (6'38), arreglos proggy decoran elegancia instrumental, mientras Sara se amolda cómodamente al formato, acercando sensaciones escuchadas en bandas actuales británicas con frontwoman, como IO Earth, Magenta, Mostly Autumn o Panic Room. Aunque White Coven conservan su añejo sabor amaderado en barrica setentera.
Ahora destapan su frasco de exquisitas esencias southern en "Farewell" (4'02). Inevitable nombrar la referencia vocal de la Joplin, a pesar de que yo los veo más por Delaney & Bonnie, Ruby Starr & Grey Ghost y evidentemente, Allman Brothers Band. Aquí es donde más están en su salsa, y probablemente será el camino más visitado en un futuro.
Sería una estupenda elección. El instrumental "The Razorback" (3'24) se mete en vericuetos rock blues houserockin' al modo de la factoría Alligator. Añadiendo después un portentoso factor Purple, órgano - guitarra, más una batería que arrasa pasada por efectos, y que se luce con holgura.
"Your Time is Over" (4'24) y su entrada gospel arranca otro carnoso remolino de vibraciones soul - sureñas en la línea de Bonnie Bramlett, con coral negroide y sección de viento a la New Orleans, jazz - latín flavour y caliente onda Santana. Otra rescatada es "Sedative" (6'36), un ambiental y flotante blues psicodélico de irresistible gancho y sentimiento guitarrero.
Hasta con el doom - occult se atreven, muy apropiadamente, en "Coven" (5'05). Oscuras esencias psico en línea Saturnalia o Black Widow, en otro trabajado corte con sabor al primigenio sello Vertigo. Sin darnos cuenta, nos hemos plantado en el último título, el sensacional "Overseas" (10'59) , con una floydiana introducción y envolvente consecución progresiva in crescendo, demuestra que White Coven son unos perfeccionistas en cualquier estilo abordado. Las reflexivas notas finales a la Jimmy Page, dejan total convencimiento de que estamos ante un colosal primer álbum.
De notable alto y con la firme sensación en su escucha de que esto va a más. El aquelarre de White Coven no ha hecho más que empezar. Que corra esa mandrágora.
La moda o si preferís el estilo de fusionar el jazz con el rock, perduró con cierto éxito durante toda la década de los años 70´s y evidentemente como en el caso del rock progresivo ya se quedaría para siempre en las siguientes décadas, aunque de forma más estable. Ambos convivieron y conviven cómodamente a lo largo de la historia porque en ambos casos han compartido la idea de hacer música imaginativa y desafiante.
La música es afortunadamente la única belleza que no se marchita en este mundo, aunque como ocurre en algunos casos compartidos con otras artes, unas aguantan mejor y otras peor el paso del tiempo, y otras también la cagan desde el principio. Pero aun así, una composición, es como una fotografía que queda inmortalizada para siempre. Los organismos vivos no tenemos esa ventaja, todos acabamos siendo pasas arrugadas. La vejez es algo que coincide con la experiencia, pero también con la amargura, el cansancio y el hastío. Es lo que nos toca en la vida, salvo que una barrica de roble americano nos haga ser un reserva interesante a cualquiera de ambos sexos aunque eso en realidad no sea más que una vanidosa excusa para sobrevivir. La belleza desaparece. La ventaja de la música está (cuando es buena naturalmente), en una eterna juventud. Da igual una sinfonía compuesta dos siglos atrás o una hermosa canción compuesta ayer. Es algo que se congela en el tiempo. Eso los amantes de la música lo sabemos perfectamente.
Hoy os hablaré de una formación italiana con los que a mi juicio la historia no ha hecho suficiente justicia. Arti e Mestieri se formaron en Turin en 1974 y a día de hoy todavía están activos. Hablaremos de su discografía en las semanas siguientes y de paso servirán de puente a la tercera parte de esta larga sección de Rockliquias con los grupos más relativamente actuales del RPI. Ya sé que se quedan muchos nombres en el tintero de los 70´s pero no podemos eternizar esto de ninguna manera. Por la salud mental vuestra y por la mía.
Este sexteto lo componen músicos muy experimentados y algunos de ellos muy respetados en el área progresiva de Italia como es el caso del batería Furio Chirico, el guitarrista Luigi Venegoni y el teclista y compositor Beppe Crovella. Con Giovanni Vigliar al violín y voz, Arturo Vitale a los vientos y Marco Gallesi al bajo, se completó la formación que grabó “Tilt” en 1974. La música evidentemente era una fusión de jazz-rock que parecía entrar como el embudo de la portada. Una macedonia líquida de influencias que pueden ir desde la Mahavishnu a Miles Davis y Return To Forever, Pasando por King Crimson para llegar a rozar por momentos el Canterbury británico machinero, más una buena dosis de propia personalidad. La ejecución técnica sobra decir que es impecable y las composiciones sumamente variadas. Sorprende en este primer trabajo y para ser jazz-rock, el uso del mellotrón que “sinfoniza” de alguna manera todo el barniz musical. Cantan el italiano en dos breves momentos y bastante bien en las partes más acústicas y delicadas, pero en general se trata de un disco instrumental, donde se aproximan también en algún escaso momento a sus famosos colegas de la PFM.
Este y su siguiente trabajo entrarían con los años en la respetada sala de la escudería del RPI setentero. La escucha de su música es un entretenido paseo por diversos motivos melódicos, variados pasajes rítmicos, solos deslumbrantes y cataratas de virtuosismo. Quiero resaltar que cuidan mucho la melodía tanto en los riffs como en las partes solistas, no siendo meros ejecutores de escalas rápidas como les sucede a muchos otros. Esto es de agradecer porque no hay nada peor y aburrido que una hiper-tecnificada interpretación que no dice nada salvo acumular notas. Peligro que persigue a todo músico con habilidades especiales y digitación nerviosa. Disco corto para variar, estamos en 1974 y en Italia, pero al menos hay mucha chicha que escuchar. Al viernes que viene seguimos.
Alberto Torró
Temas
A1 Gravità 9,81 4:05
A2 Strips 4:39
A3 Corrosione 1:37
A4 Positivo/Negativo 3:29
A5 In Cammino 5:36
B1 Farenheit 1:15
B2 Articolazioni 13:24
B3 Tilt 2:2
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Volvemos a Suecia, pero esta vez en un registro diferente al sinfónico progresivo que prácticamente hasta ahora ha ocupado esta sección dedicada a los hombres del norte. Mats Öoer y Morgan Agren son dos músicos de alto calibre que colaboraron en los últimos años de vida de Frank Zappa. Sobra decir que el meticuloso y exigente Zappa no escogía a cualquiera para reproducir su música y curiosamente, sus últimas actividades fueron más con músicos europeos del norte o del este, que con norteamericanos. Era muy raro e improbable que cualquier músico que colaborase con Frank no acabase de alguna forma influido por su cada vez más extraña música y su cada vez más alejada intención de complacer al oído profano de sus audiencias.
La biografía de esta gente entraría de pleno en el mundo de los niños prodigio: Mats, teclista y compositor ciego de nacimiento y Morgan un batería que ya aporreaba el instrumento a los cuatro añitos. Ambos se conocieron en 1981 y formaron una banda. El teclista tenía 10 años y el batería 14 su nombre: HOT RATS. No hace falta decir que en sus inicios hacía covers de la música Zappiana. Dos críos haciendo música compleja es de libro anecdótico. Estos dos prodigios de chavales se llamaron luego en 1984: “Zappsteetoot” y ya lo integraban con ocho músicos más. En 1988 Frank Zappa con su fino olfato los invitó a tocar con él en Estocolmo y se podría decir que esta historia, por la veneración que sentían estos músicos suecos por el genio de Baltimore, era inevitable. Luego vendría la relación con su hijo Dweezil y los tributos al padre con el Zappa´s Universe y otros eventos y otras historias etc. Mats-Morgan Band grabaron cinco álbumes y dos lives hasta el momento. Hoy hablaremos del primero de ellos.
La música de estos personajes se caracteriza por un virtuosismo casi sobrehumano y un compendio compositivo altamente complicado. Definir o etiquetarlos dentro del prog casi se me hace hasta escaso. No sabría cómo definir exactamente su música y menos etiquetarla alegremente. Pero me encantan los desafíos en lo que a música se refiere. Lo primero que oí de ellos fue un live aparecido en 2001 que se me hizo duro y atractivo a partes iguales.
“Trend and other diseases” su primer CD, es un monstruo de casi 80 mtos completamente inclasificable. Las evidencias con la música de Zappa de mediados los años 80 (la época más dura posiblemente) son palpables, pero incluso diría que los radicalismos más contemporáneos están todavía más presentes. La última música de Zappa podía llegar a aburrir por su extremismo aleatorio, y repito: ya muy alejada de agradar a los auditorios y próxima a la locura, pero las 18 extrañas piezas aquí contenidas de vericuetos muy complejos y música llena de aristas, no dan respiro y es imposible contabilizar los constantes cambios en una música de una libertad absoluta. La diferencia con el Zappa más radical, es que Mats-Morgan no aburren en ningún momento, pero tampoco es posible retener en la memoria tal terremoto sonoro. Desde elaboradas voces absurdas, trallazos obsesivos o pasajes de una intensidad y fascinación tremendas con ritmos complejos. A ratos parece imposible lo que llegan a hacer y necesitan de oyentes muy avezados. El uso constante de percusiones afinadas, secciones de viento, teclados, efectos, rarezas y todo el aluvión de sonidos puede llegar a abrumar al que tenga miedo de ir más allá de convencionalismos musicales. Se necesita apertura de mente y una predisposición a la aventura si no la experiencia a alguno le parecerá terrible incluso horrorosa, porque nada es descartable en el oído humano. Sin miedo y adelante.
Jazz inventivo, contemporánea, rock rarito, hasta una especie de pop patafísico y absurdo y mucho experimentalismo, prefiguran una música probablemente por delante de su tiempo aventajando incluso al maestro. Música imprevisible. No obstante, si has aceptado la música de Magma, del canterbury más complejo, del R.I.O y del propio Zappa, la experiencia te parecerá fantástica.
Alberto Torró
Temas
1. I See You (0:00)
2. Trottsov (4:46)
3. Guardian Witch (7:30)
4. Stupid Bagatelle (13:00)
5. Russin Läsk (15:19)
6. Read My Thoughts, Part 1 (20:24)
7. Read My Thoughts, Part 2 (25:01)
8. Fire and Audio (29:34)
9. Please Tell Me (34:28)
10. Trash Romantic Land (39:41)
11. Sockeplast (43:49)
12. What's That Guy's Name? (47:11)
13. Fialka's House (50:47)
14. Advokaten (52:04)
15. The Krupa Question (56:54)
16. Agent Soda (58:02)
17. Mamma (1:01:16)
18. Vault Soup Medley, Volume 1 (1:03:32)
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.......No puedo creer que aún no hayamos hablado por aquí de Cressida. Uno de esos nombres obligados para entender el genuino prog británico, con todavía fuerte poso post-psicodélico. E infaltable en una conversación sobre ARTE en la escudería VERTIGO.
Originalmente como Charge, en Enero de 1969 Ossie Byrne, impulsor de los primeros éxitos de Bee Gees, (sí, todavía hay gente que piensa que fueron "tan sólo" un fenómeno de discotecas.....!!!), ficha a unos prometedores (ya) Cressida, para su agencia de producción. Recién venidos del Star Club de Hamburgo, donde habían compartido cartel con Colosseum y East of Eden, se encuentran suficientemente en forma como para enfrentarse a una demo. Byrne los encierra en un mohoso estudio en Denmark Street , con objeto de grabar la llave al reino del sello VERTIGO. Lo demás, es historia.
Un debut - obra maestra en 1970 y su seguimiento, "Asylum" de 1971 en la misma cuerda y nivel estratosférico. Dos indispensables a la altura de cualquier icónico título del momento. Telonean a Black Sabbath en Bruselas. Y en Roven, Francia, tocan en un circo con leones, comedores de fuego, Brian Auger, Barclay James Harvest, Man y Circus. Habituales del Speakeasy y el Marquee, incomprensiblemente se separan. Algunos de sus miembros acabarán en Uriah Heep, Tranquility o Black Widow.
Mientras que los másters de sus dos álbumes se sabía que estaban destruidos, había rumores de que sus primeras grabaciones seguían por ahí en alguna parte. Efectuadas en un dos pistas en Central Sound Studios, un sótano al lado del famoso Café La Gioconda.
Mediante los miembros de la banda, se activa la búsqueda de tan valiosas demos, dando su fruto. Algunas aparecen por las Highlands escocesas, y otras nada menos que en Los Angeles. Convenientemente reparadas y restauradas, son editadas como "Trapped in Time - The Lost Tapes", por la revista especializada Record Collector.
La primera formación de Cressida estaba compuesta por Angus Cullen (voz solista), Iain Clark (batería), John Heyworth (guitarra), Kevin McCarthy (bajo) y Lol Coker (órgano Hammond). Éste último sería sustituido en el debut por Peter Jennings. En el cd que presentamos, ( en 2012 volveria a ser editado por ESOTERIC), tenemos a Coker en todos los temas salvo en cuatro. Única ocasión para escuchar a la formación original.
"To Play your Little Game", "Winter is Coming Again", "Cressida" y "Depression" son los cuatro primeros cortes en su estado original, antes de ser inmortalizados en el álbum homónimo, en diferentes versiones y con otro teclista. El sonido es bueno, pero se recuerda que son maquetas. Y su inicial organista era un más que apto músico, pero no llega a la personalidad de Jennings. Mucho más rico en recursos, influencias jazz y pieza fundamental en el sonido de Cressida. Aún con todo, el valor histórico es altísimo. "Sad Eyed Fairy" se quedó fuera incomprensiblemente, quizá por motivos de espacio..... Es melodicamente psico con grandes dibujos de guitarra y apoyo sólido de órgano. Claro que con la voz de Angus Cullen, cercana a un Richard Sinclair en estilo, todo suena excepcionalmente bien.
"Lights in my Mind" es otra joya que se puede saborear en el primer disco. Exquisita hasta perderse en el horizonte."Let Them Come When They Will" es la única superviviente que conseguiría sitio en "Asylum". Señal de que el grupo se negaba a perderla. Con un cierto aire british Doors, (a los que versioneaban en sus inicios), mereció con razón la salvación y ser inmortalizada en vinilo.
"Situation" es otra inédita de un total de cinco. Con gusto me compraría el imaginario tercer álbum del grupo con sólo una cara grabada. "Only Earthman in Town" y "Down Down" también serían incluidas en el debut. Finalmente "Mental State", "Silent Light" y "Situation (Alternate Version)" completan el material inédito y concluyen este valioso cd (editado posteriormente en vinilo), que hoy presentamos.
Un disco sólo apto para el que ya disponga de sus dos trabajos de estudio......Si, valen reediciones, que la cosa no está para salvajes excesos monetarios. Estos álbumes son prioridad uno antes de entrar en éste jardín (de las delicias). También existe "Choices", similar álbum de archivo con material seleccionado por Mikael Akerfeldt de Opeth, friki sin remedio de la banda.. ... Te comprendemos, Mikael. En 2011 se juntan Angus Cullen, Iain Clark, Kevin McCarthy y Peter Jennings en un único concierto en Camden Town. Uno de esos raros momentos que dudo se repitan. Porque Cressida son tan nivel dios como Fantasy, Beggar's Opera, Fruupp, England, Cirkus, Gracious o Spring. La crema del asunto.
J.J. IGLESIAS
Temas
1 To Play Your Little Game 3:09
2 Winter Is Coming Again 3:51
3 Cressida 4:03
4 Depression 3:30
5 Sad Eyed Fairy 3:15
6 Lights In My Mind 3:15
7 Let Them Come When They Will 3:40
8 Situation 3:26
9 Only Earthman In Town 3:40
10 Down Down 4:29
11 Mental State 3:39
Bonus Tracks
12 Silent Light 5:03
13 Situation (Alternate Version) 3:43
Japan Bonus Track
14 Wind In The Night 3:44
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Ya empezaba a tener el "mono" por dos de mi pasiones musicales, el blues y el Hammond. Creo que con este disco de Tony Monaco mato dos pájaros de un tiro y me quedo plenamente satisfecho hasta la próxima.
Tony Monaco nace en 1959 en Columbus, Ohio. A los ocho años comienza a tocar el acordeón y a los 12 se inicia con el órgano Hammond. A muy temprana edad comienza a realizar conciertos por los diversos clubes de su ciudad. Cuando tiene 16 años recibe la llamada de uno de sus ídolos, Jummy Smith, para tocar en su club de California. Por diversas circunstancias con 21 años tiene que ponerse a trabajar en el restaurante de su familia dejando la música hasta el 2000 año en el que el organista Joey DeFrancesco le ofrece la posibilidad de producirle un disco. La grabación ve la luz al año siguiente, "Burni' Groves", recibiendo muy buenas críticas. Hasta la fecha ha realizado algo mas de una docena de grabaciones creándose un puesto dentro de los grandes interpretes del instrumento.
"Fiery Blues" es el cuarto disco en estudio de Tony Monaco grabado en sus estudios "Columbus Sound" en tan sólo tres sesiones. Tony navega por los mundos del jazz y el blues teniendo como nexo de unión su magnífica interpretación al órgano Hammond. En ese momento la banda o mejor dicho el trío estaba formado por Tony Monaco (hammond), Derek Dicenzo (guitarra) y Louis Tsamous (batería). El disco se nutre con multiples colaboraciones: Robert Kraut y Tom Carroll (guitarras), Jim Rupp (batería), Gene Walker (saxo) y el excelente vocalista Willie Pooch. Solo tenemos un tema de Monaco, "Ashleen", el resto son versiones destacando "Stormy Monday" (T-Boone Walker) y "All Blues" (Miles Davis). Como "bonus" tenemos "Takiin' My Time Blues" de su disco en directo "Intimately Live at the 501" de 2002. Una delicia sonora con el que no podrás dejar de mover el pie.
J.C.Miñana
Temas
1 Goin’ to a Meetin’
2 Everyday I Have the Blues (Peter Chatman) 6:36
3 Greasy Spoon (Hank Marr) 11:11
4 Mellow Soul (Don Patterson) 18:12
5 Ashleen 23:43
6 Crosscut Saw (R.G. Ford) 29:22
7 The Hooker 36:05
8 Stormy Monday (T-Bone Walker) 43:35
9 All Blues (Miles Davis) 51:51
10 The Preacher (Horace Silver) 1:00:15
11 Takin' My Time Blues 1:04:47
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Seguimos con nuestro homenaje a la mujer dentro del campo pionero de la música electrónica. Eliane Radigue tiene ahora 85 años y sigue en activo.
Nació en París y se interesó por la música concreta al escucharla en la radio en los primeros 50. Fue estudiante de Pierre Schaeffer y trabajó periódicamente en el Studio d'Essai. En los primeros 60 fue asistenta de Pierre Henry, creando algunos de los sonidos que aparecen en sus trabajos. Destacó en la técnica de feedback de micrófonos y tape - loops, poniendo sobre aviso a los propios Schaeffer y Henry. Alrededor de 1970 comienza a crear música con sintetizador, (una vez más), con el modular Buchla de Morton Subotnick.
Un grupo de estudiantes franceses le sugieren que su música es perfecta para la meditación. Radigue se interesa por el tema, e ingresa de lleno en el Budismo Tibetano, acompañada de su gurú Pawo Rinpoche. Éste le aconseja volver a la música.
Su primer evento live sería en 1971, en Chry-ptus New York Cultural Art Center. Y su primera obra larga grabada, algo más tarde, en 1987 con "Jetsun Mila". También crea su masterpiece "Trilogie de la Mort" en los 80. Basada en sus experiencias budistas, siempre ligadas a su ensoñadora y onírica forma de entender la música. En el 2000 hace su último trabajo electrónico en París, "Islas Resonantes". Recibió por él un Golden Nica Award en el Festival Arts Electrónica del 2006. Desde 2004 se dedica a instrumentos acústicos con diversos proyectos, como el cellista Claudes Curtis.
"Islas Resonantes" practica la reiteración de onda evolutiva a la manera de La Monte Young o su maestro, Pierre Schaeffer. Son 55 minutos ininterrumpidos de "mantra electrónico" para paladear con paz, silencio y tranquilidad. Una continua letanía electrónica en lenta metamorfosis sonora. No cuesta mucho imaginarse a los grandes exploradores cósmicos alemanes siguiendo un sendero similar, a partir de idénticas raíces e influencias. Lo que la Radigue asimila como vanguardia contemporánea, éstos lo expresarían bajo el amplio manto kosmische de forma parecida. Por paralelismo místico, más concretamente con dos claras figuras del space - kraut. Peter - Michael Hamel y sus Between, y el primer Florian Fricke de "Affenstunde", "In Den Garten Pharaohs" u "Hosianna Mantra". Las tres primeras obras de Popol Vuh. El resultado místico y meditativo resulta similar, aún cuando no el estilo ni género.
Radigue se estrenó discograficamente tarde, pero su catálogo grabado es lo suficientemente amplio y atractivo como para bucear plácidamente en sus recogidas y profundas aguas electrónicas. Escucha recomendada para una auténtica pretensión meditativa.
J.J. IGLESIAS
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Los hermanos Winter nos han proporcionado toneladas de buen rock y blues. Lamentablemente Johnny nos dejó en 2014 pero Edgar, a sus 71 años, sigue dando conciertos casi a diario. Hoy lo recordaremos en los inicios de su carrera.
La carrera discográfica de Edgar Winter comienza con la publicación de "Entrance" en 1970. Posteriormente grabaría dos discos con su banda While Trash, "Edgar Winter's White Trash" (1971) y "Roadwork" (1972) donde ya aparecía su amigo y gran guitarrista Rick Derringer. A finales de 1972 forma "Edgar Winter Group" junto a Ronnie Montrose (guitarra), Dan Hartman (bajo, voz) y Chuck Ruff (batería). En Noviembre de ese año editan su primer disco "They Only Come Out at Night" conteniendo el tema por el que sería mundialmente conocido, "Frankenstein". Con está banda publicaría dos discos mas, "Shock Treatment" (1974 y "The Edgar Winter Group with Rick Derringer". La discografía en solitario de Edgar consta de más de media docena de discos y tan bien han visto la luz vinilos junto a Steve Lukather y por supuesto junto a su hermano Johnny.
La grabación pertenece al último concierto celebrado en el Fillmore East el 27 de junio de 1971. Los cabezas de cartel eran Allman Brothers Band, J.Geils Band y Albert King. Actuaban como invitados Mountain, Country Joe McDonals, Beach Boys y Edgar Winter's White Trash. La banda estaba formada por Edgar Winter (teclados, saxo, voz), Jerry La Croix (voz, armónica, saxo), Sherman Marshall Cyr (trompeta), Floyd Radford (guitarra), Randy Jo Hobbs (bajo) y Bobby Ramirez (batería). Bill Graham actúa como maestro de ceremonias. El "setlist" comienza frenéticamente con dos temas de su primer disco con White Trash, "Where Would I Be " y "Let's Get It On". Para continuar con una excepcional versión del clásico "Tobacco Road" de mas de 15 minutos. Finalizan su actuación con "Turn On Your Lovelight". Un documento extraordinario que demuestra la fuerza y la solidez de esta banda en el escenario. Buen Sonido.
J.C.Miñana
Temas
1Bill Graham Introduction00:59
2Where Would I Be (Without You)05:17
3Let's Get It On07:35
4Tobacco Road15:47
5Turn On Your Love Light09:09
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